Museum der Dinge, Werkbundarchiv

1. Allgemeine Informationen
1.1 Überblick


Titel: „Museum der Produktkultur“


Ort: Museum der Dinge, Oranienstraße 25, 10999 Berlin

Zeitraum: Dauerausstellung

Thema: Die Ordnung und Systematisierung von Sammlungen

Ziel/Schwerpunkt: Systematische Anordnung von Materialien

Objekte: Industriell gefertigte Massen-und Warenproduktion

Zielgruppe: Natürlich offen für jedermann, jedoch besonders spannend für Kuratoren, vor allem in Hinsicht auf Erzeugung von Bedeutung durch Ordnung im Raum

1.2 Impressum

Kuratoren: Renate Flagmeier und Imke Volkers

2. Analyse
2.1 Klassifikation


Kategorie: Offenes Depot

Ausstellungsraum: Innenraum

Zeitraum: Dauerausstellung

Budget: M

2.2 Gestalterische Mittel

Objektpräsentation: Vorzüglich, Vitrinen

Inszenierung: Der extreme Überfluss an maschinell gefertigten Produkten war eindeutig. Eine bewusst gewählte Reizüberflutung, die zunächst bei Betreten des Raumes entsteht. Durch die Anordnungen nach materiellen Unterschieden verflacht das „Zu-viel“ schnell wieder und nähert sich der Ordnung. Die nach längerem Wandeln durch die Gänge aus Vitrinen sichtbar wird.

Thematische Struktur: Nach Materialien sortiert. Plastik steht neben Plastik. Holz neben Holz.
Aber auch Ordnung nach Funktionen in Lebensbereichen.
Beispiel: Messutensilien bei Messutensilien

Besuchermanagement: enge Gässchen, ein kleiner Raum.

Vermittlungskonzept: Es gilt es den Museumsraum, die Auswirkungen der spezifischen musealen Struktur auf den Objektstatus und die Konstruktion von Wahrnehmung sowie die Möglichkeiten von ästhetischer Bildung in Museen und Ausstellungen zu erforschen. Das Museum versteht sich dabei selbst als Experimentierfeld und Labor.

Druckproduktion: Massenware

3. Bewertung
3.1 Qualitäten

Dauerhaftigkeit: Ist in einem Prozess eingebettet. Meint, die Systematisierung der Dinge im Raum ändert sich Anmut, Ästhetik, Schönheit: Wer denn die Ordnung versteht, der wird sich darauf verstehen, die kleinen anmutigen Dinge, zwischen den Massenprodukten zu finden.
Die Ästhetik liegt allerdings eher in dem systematischen Aufbau

Originalität, Attraktivität: Originell wird die Ausstellung durch philosophische Grundfragen, die eng an die Materie und die Anordnung von Materie im Raum gebunden ist.

3.2 Fragenkatalog

Was ist der Anlass der Ausstellung?
Die Ausstellung setzt sich kritisch mit dem Thema auseinander, inwiefern sich die Produktkultur und den in seinen extremen Formen (Warenfetischismus) noch in der Zukunft rechtfertigen lassen können.
„Das Werkbund-Programm war es, der eigenen, durch die industrielle Massenproduktion geprägten Zeit ein Gesicht zu geben, das auf einer aus der Technik abgeleiteten Funktionalität basierte. Dinge sollten schlicht und nützlich sein, sie sollten als stumme Diener das Leben der Menschen erleichtern, statt es als verführende, eigenmächtige Warenfetische zu dominieren.“

Welche Rolle spielen die Objekte?
Die Objekte sind der Anlass der Existenz des Museums. Sie sind zentral.

Wie werden Bedeutungen kommuniziert?
Durch genaues beobachten der Anordnung

Welche atmosphärische Stimmung entsteht?
Es kann durchaus zu Überforderungen kommen, die dann durch eine Schaffung eines Überblickes und die Einsicht in die Ordnung der Dinge abgebaut wird. Zuletzt wird die Atmosphäre sehr fein, denn sortiert wird bis ins kleinste Detail. Allerdings bleibt die Anonymität vorhanden.

Wie verläuft die Dramaturgie des Ausstellungsganges?
Einheitlich gewählte Vitrinen. Enge Gässchen.

Wie werden Themen und Inhalte umgesetzt?
Oberflächlich kommt das Thema gar nicht zur Geltung, es können dann reine Produkte betrachtet werden. Die unter Anderem vielleicht als ästhetisch Bezeichnet werden. Allerdings dann auch nur unter dem Aspekt des Warenfetischismus. Es wird vom Betrachter schon ein genauer Blick gefordert.
Zusammenfassend wird der Inhalt versteckter umgesetzt.

Was sind die Kernaussagen? Welche Erkenntnisse können gewonnen werden?

Die Kernaussage bleibt bei der Struktur und Anordnung der Dinge im Raum und die dadurch erzeugte Wirkung auf den Besucher. Die Aufmerksamkeit geht also von den Dingen selbst weg und wird auf die zugrundeliegende Ordnung gelenkt. Genau dort entstehen die Erkenntnisse zunächst von der Existenz verschiedener Ordnungssysteme und Anordnungen von Materialsammlungen im Allgemeinen. Erkenntnis über eine sinnvolle Anordnung kann gewonnen werden. Die Frage ist auch immer an das Ziel einer Ausstellung gebunden. Dem Museum der Dinge würde ich eine kantische Klassifikation unterstellen. Die zunächst rein materiell ordnet. Holz zu Holz, Eisen zu Eisen, usw. Heißt die Ordnung an sich thematisiert sich im Ausdruck der Ordnung. Ändern wir das Ziel, ändert sich das Ordnungssystem.
Eine Erkenntnis wäre dahingehend auch, inwiefern Telos und Ordnung aneinander geknüpft sind und wie sich die Ordnung durch Verschiebung des Ziels ändert.

Lohnt sich ein zweiter Besuch?
Durch den prozesshaften Charakter der Ausstellung ist ein zweiter Besuch empfehlenswert.

Text Kim Salm
Bildnachweis Prof. Ulrich Schwarz, Sonderausstellung “Masse und Klasse. Gebrauchsgrafik in der DDR”, Museum der Dinge

Julian Rosefeldt, Manifesto, 2014/2015 © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Exkursion
Julian Rosefeldt. Manifesto, Hamburger Bahnhof

First time you enter the gallery space in Hamburger Bahnhof to see the solo exhibition of Julian Rosefeldt you have to go up the stairs. On the right side you come across the portraits of the well-known actress Cate Blanchett in different roles and different costumes. Somehow it reminds you that the work will be mostly about her face and about this collaboration to attach the spectator’s view from other point of view, it also seems to be an intro for the show. On the other hand Cate Blanchett often cooperates with underground artists and not so „great names“. Before you enter the whole installation on the left side of the staircase top, there are the papers reflecting to the exhibition, I mean the Manifestos from various artists from various times. This archive of documents could be mention as a map through the whole artwork of Julian where he depicts on thirteen screens these manifests acted by Cate Blanchett in multiple daily life situations in Berlin districts. When you enter the room the entire space is covered with black carpet all over the walls and floor, there are also sound reflective spikes on the sides. I think it was a professional step to do it like this to get as much as possible from the concentration and attention of the viewers. The room is also separated into two different spaces because of the sound mixing. The sound is also well separated thanks to the speakers which are directional and aren’t so much disturbing other signals together. Technically the videos are projected via high quality projectors that are hanging in the air altogether with the directional speakers. Invisible and simple as much as possible.On the other hand installation is not so risking making the projections in a different way. We could say that it is only a collection of the short films projected in the room similar to the cinema space and we would be right. However the thing that is making this artwork an installation is the time of the video loops when the manifests and speeches are singing together. In this time everything connects the work in one piece and it is also atmospherical change in the mood of the room. In front of each projection there is a bench for the spectators to enjoy the view in a comfortable way, thanks to the carpet it is also possible to sit on the ground.

Julian Rosefeldt, Manifesto, 2014/2015 © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

From my point of view the videos are sorted in a well prepared order. The beginning is the intro with the manifest of communism prepared as a slow motion lightning of a fuse. On the left side there is a poor man walking in some abandoned satellite base in Berlin, on the right side there is a manifest of futurism sequenced in a picture of a broker in financial market. Other videos in the second part of the installation are worker in a garbage incineration plant that depicts the architecture manifest. Funeral speaker which is the conclusion of dadaism manifest, pupeteer which is connected to surrealism manifest. Teacher that talks about the film theory. There is also a punker, some party introducer, some scientist, ballet choreographer „From another world“ theatre show. In the end there is a conservative family mother who reproduces the manifest of pop art, this combination is really interesting and a reporter and news speaker that both talk about conceptual and minimal art. This video is maybe depicting a funny way of using one actress for different roles in one frame.

The artwork is full of humor because it tries to implement these intellectual ideas into daily life situations. However the actress tries to make these situations as much theatrical as possible, also it is obvious that the film language is still visible thanks to the extras. It depends what Julian Rosefeldt wanted to show in the film, anyway it seems that it was done to be more promotional than bringing something new in a different way. However from my point of view it is a successful event.

Text Ondřej Vicena

Julian Rosefeldt, Manifesto, 2014/2015 © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Die schwarzen Jahre. Geschichte einer Sammlung 1933–1945, Hamburger Bahnhof

The exhibition showcases a selection of artworks from the period when Germany was ruled by the Nazis. The artworks are carefully chosen and curated by Dieter Scholz and the help of Maria Obenaus from the National Gallery (Nationalgalerie ) collection.
The exhibition design is conceptually based on the painting by Karl Hofer “Die Schwarzen Zimmer (1943) – The Black Room” and has a visual and thematically coherent approach. The painting is immediately visible in the middle after the preface part of the exhibition.
The black wall is a visual extension of the black walls on the painting, connecting its space to the three-dimensional space of the exhibition. This black wall piece stands in the middle dividing the interior into seven different topics ( like The dispute over modern art, Emigration, Prosecution, etc…)The walls of the exhibition are going from gray to black, giving each topic a different shade of gray.
The artworks are paintings, sculptures and other collected objects (books, photos and newspaper cutouts) are arranged thematically instead of visually. With this approach the exhibition curators putting emphasize on the core problems of the era for example how artists struggle in dictatorial regimes.
The additional elements of the exhibition like the newspapers, documents are placed in cabinets these elements are contextualizing the artworks of the exhibition. Text panels next to the artworks are providing historical facts and background informations on the artists and the art-pieces.
Overall the exhibition design and its theme was coherent and consistent contextualizing the artworks of the nazi era. The curators decision to arrange the exhibition thematically instead of chronologically was helpful to get a fuller overview and understanding for the visitor.

Text Fiona Belousz
Bildnachweis Prof. Ulrich Schwarz

All that Jazz – Plakatkunst von Niklaus Troxler – Blackbox #1, Bröhan Museum

Titel: All that Jazz – Plakatkunst von Niklaus Troxler – Blackbox #1

Web: http://www.broehan-museum.de/aktuelles/all-that-jazz-plakatkunst-von-niklaus-troxler/


Ort: Bröhan-Museum, Schloßstraße 1a, 14059 Berlin (am Schloß Charlottenburg)

Zeitraum: 23.01. – 17.07.2016


Thema: Jazzgeschichte und die Entwicklung der Plakatgeschichte


Ziel: Überblick über das gestalterische Schaffen Troxlers

Zielgruppe: Jazz und Grafik-Affines Publikum jeden Alters


Direktoren / Kuratoren: Dr. Tobias Hoffmann, Dr. Anna Grosskopf

Inhalt
Das Bröhan-Museum zeigt die Jazzplakate des Schweizer Grafikdesigners Niklaus Troxler. Er gründete 1966 ein Jazz Festival in seiner Heimatstat Willisau in der Schweiz und gestaltet noch bis heute für dieses alle Plakate. Die Schau gibt einen Überblick über das Schaffen Troxlers. All That Jazz“ ist der erste Teil der Ausstellungsreihe „Black box“ und befindet sich im dritten Stock des Museums.

2.1 Klassifikation
International ausgerichtetes Spezial- und Epochenmuseum für die Kunstrichtungen Jugendstil, Art Deco und Funktionalismus (1889-1939).

Kategorie: thematische Kunstausstellung


Ausstellungsraum: innen 


Zeitraum: temporär

2.2 Präsentation
Auf weißen- und anthrazitfarbenden Hintergründen werden die Troxlers Plakate auf eine schlichte Art und Weise präsentiert. Sie sind an den Wänden befestigt und in loser Reihenfolge zu betrachten. Die Ausstellung beginnt beim Eintritt in den Flurs im dritten Stock mit ein einleitender Text und gibt einen ersten Eindruck über das Gesamtbild. In zwei weiteren kleinen leeren Räumen befinden sich weitere Plakate.
Es gibt keine eigene Inszenierung der Ausstellungsräume und keine baulichen Veränderungen.

2.3 Gestalterische Mittel
– zusätzliche Farbe: anthrazit
– keine weiteren unterstützenden grafischen Mittel ( wie z.B. Jahreszahlen)

2.4 Vermittlungskonzept
Dem Besucher werden vielfältige Plakate gezeigt. Neutralweißes Halogenlicht an den Decken sorgen für eine angenehme Umgebung. Doch die Räumlichkeiten wirken eher nüchtern, büroähnlich und ermüdend. Das Betrachten der Plakate steht im Fokus.

3. Bewertung
3.1 Gesamtbeschaffenheit
Die Ausstellung ist simpel und schlicht gehalten. Die Räume sind klein. Die Beleuchtung ist ausreichend.

Résumé
Die Ausstellung setzt ihren Fokus auf die zeitlose Reihenfolge. Die Plakate stehen im Vordergrund. Doch die wirkliche Entwicklung und Stile der Plakatgeschichte werden nicht wirklich deutlich. Auch die kleinen mit Teppich ausgelegten Räumlichkeiten und die einfache Anbringung, die Plakate an die Wand zu hängen, lässt die Ausstellung etwas ermüdend wirken. Auf den ersten Blick ist es nicht ersichtlich aus welchem Jahr die Plakate sind. Einen genauen Blick auf den Credit verrät das Jahr. Die wirkliche Entwicklung der Plakatkunst ist nicht wirklich spürbar. Vielleicht wäre es trotz der kleinen Räumlichkeiten, möglich gewesen, die Plakate auf eine kreativere Art und Weise zu präsentieren.

Text Sandra Stiehler
Bildnachweis Sandra Stiehler

Deutschland gegen Frankreich: Der Kampf um den Stil, Bröhan Museum 

On 16th June 2016, we visited the Bröhan Museum to view the exhibition ‘Germany against France: The struggle over style, 1900 – 1930’

Prologue 
Our guided tour begins in a room which has two contrasting wardrobes in its center, representing the contrast between German Jugendstil and French Art Nouveau. While the French style represents the product designers as artists, who create expensive ornamental, decorative and one-of-a-kind pieces, the German style emphasises on a practical and more affordable, machine built IKEA-style constructions developed by engineers. The latter approach has proven its durability over time and is still used today, while the French delicate furnitures can mostly be found exhibited and untouched.

Note about exhibition design: Objects are showcased on black backdrop and homogenous lighting, which is ideal for presentational purposes but not in a person’s home. Another interesting point, which has also sparked disagreement among the museum staff are the printed writings stuck to the walls with a single piece of blue tape – a strong contrastcontrast to te finised style of the furnitures.

Ecole de Nancy 
The School of Nancy was central to artistic development in the Art Nouveau age of France. It was formed by Lorraine artists, craftsmen and architects, who created luxury handmade wooden furnitures and glasswork imitating nature. They were also influenced by japanese design, also referred
to as Japonismus, and were known for signing their furniture like a painter would.

Darmstadt 
A royal named Grand Duke Ernst Ludwig of Hessen, who was fond of modern art, founded an artist colony in Mathildenhoehe. He invited 7 artists, including Behrens, Buerck, Bosselt and Huber, to design a city based on the principles of “Gesamtkunstwerk”, which was a popular design-ideology in Germany. The artists would design everything from houses to furniture and small everyday objects to achieve ultimate consistency of everything designed. His goal of building this cult, as to reet is wealth and increase economy, however the emphasis on beauty of the designed objects defied their function and failed to serve people in their every- day lives. The houses also turned out to be too expensive for anyone to buy and the city has been abandoned by the seven artists, leaving it for future visitors to see.

Berlin: Functionalism 
Modernism in Berlin started with classical functionalism, lead
by Alfred Grenader and Bruno Moehring, who are both known for their architecture such as Hermannplatz and Bülowstrasse U-bahn stations. Based on military structure, their style emphases the new steel manufacturing and deliberately opposed french design by revealing the under- lying construction to the public eye. As part o te final design te included ornamental elements (influence of the french Art Nouveau), but more sparingly and usually with a function behind it.

Paris 
The French hated showing steel construction and preferred the imitation of nature, which they interpreted as beauty. Hector Guimard created decorative paradisiacal gar- den-like entrances for the Paris Metro, which opened in 1900. At this time Art Nouveau set aesthetic standards and France became one of Europe’s most advanced country.

Berlin: Industrial Design
In 1907, Peter Behrens was named the art consultant of AEG (Allgemeine Elektricitäts- Gesellschaft), and although he was not an ‘absolute designer’, he transferred his focus to the function of objects and created forms for things which didn’t exist before, such as kettle, fan, architecture, worker’s clothes. By unification of his designs he developed a signature style, by this giving birth to corporate identity. Heinrich Vogeler has attempted to serve the needs of poor workers by setting up a furniture factory with his brother. He created simple machine-built furnitures with hand- crafted ornamentals. Unfortunately he was not successful as his products were still
too expensive for the low-earning people.

Art Deco 
German and French styles became mixed, however after the
war, there was a new division in style. The French became very rich and developed Art Deco, which demanded expensive and delicate materials such as silver, ivory or even fish leather and beautiful furnitures were created for viewings only. We have seen furnitures from Ludwig Troost, Sue et Mare, Bruno Paul and Jacques Emile Ruhlman. Later it was questioned, whether it is crime to use art for the purposes of creating something functional such as furniture.

Deutscher Werkbund
The Germans became poor, but still needed furniture for the newly built apartments after the war, so Ernst May developed a minimalistic modular system
for furnitures, called Moebel Schuster. Another notable design is the Frankfurter kitchen designed by Schuette-Lihotzky and strongly influenced by Bauhaus. She designed in a peculiar way, playing out kitchen scenarios and drawing the lines she walked on the floor. She created the very first built-in kitchen, which featured labeled metal drawers (not so successful) and wooden drawers from softwood (for salt) and cedric (or our) is is one of the most sought after element by furniture design collectors and hunters.

Comment: In many ways German and French styles have deliberately opposed or criticised the other style, but have also taken inspiration and have realised the flaws in their own designs. According to the French “ There is always a group of elite creatives who invent designs for the rest of the people.” however the German mentality states that “If it works for the elite, then it can be mass-produced.”

Text Sophia Tai
Bildnachweis Prof. Ulrich Schwarz

Gedenkstätte Berliner Mauer

1. Allgemeine Informationen

Titel: Gedenkstätte Berliner Mauer

Ort: Bernauer Straße 19, 13355 Berlin

Zeitraum: 1998 – heute

Thema: Gedenken an die Teilung Berlins durch die Berliner Mauer

Objekte: Mauerüberreste, Steine, Fotos von Opfern

Zielgruppe: Touristen, Menschen die an der deutschen Geschichte interessiert sind

Direktoren/Kuratoren: Bundesrepublik Deutschland

Ausstellungsgestaltung: Kohlhoff & Kohlhoff

Medien: Fotos, Informationstafeln

2. Analyse
2.1 Klassifizierung

Träger: Verein Berliner Mauer

Kategorie: Erinnerungsstätte/ Gedenkstätte

Ausstellungsbereich: öffentliche Raum

Zeitraum: dauerhaft

Budget: Verein Berliner Mauer

2.2 Präsentation

Die Gedenkstätte befindet sich an der Bernauer Straße, wo die Berliner Mauer gebaut wurde. Der Ort ist öffentlich zugänglich. Die Besucher können sich auf der großflächigen Wiese frei bewegen und die Objekte begutachten. Die Gedenkstätte erzählt die Geschichte von der Zeit des Zweiten Weltkriegs und den Opfern der Flüchtlinge aus der DDR-Zeit.

2.3 Gestalterische Mittel

Bei der Berliner Mauer stehen Eisenstangen, welche verrostet aussehen sollen. Dieser Effekt wird durch Wasser regelmäßig verstärkt. Dies soll einen historischen Eindruck auf die Besucher machen und die Integration überlieferter Sachspuren der originalen Grenzanlage an der Bernauer Straße zeigen. Auf der Wiese stehen Informationstafeln, auf welchen die Geschichte und einige Informationen über den Fall der Mauer zu lesen sind. Außerdem gibt es dort Kopfhörer, mit welchen sich die Besucher diese Informationen auch anhören können.Der Raum der Gedenkstätte ist frei begehbar. Es gibt keine feste Ausstellungsroute. Man kann sich  frei bewegen und alles anschauen. In diesem öffentlichen Raum ist die Perspektive der Besucher sehr groß. Gegenüber von der Mauer sind viele Bäume. Die Wiese scheint durch die Mauer und die Bäume von der im Vergleich dazu „chaotischen“ Straße isoliert zu sein. Da es sich um eine natürliche Umgebung handelt, gibt es viel Grün (z.B. Wiese und Bäume). So entsteht ein starker Kontrast zu den  roten, rostigen Eisenstangen. Diese werden dadurch besonders hervorgehoben. Bei diesem öffentlichen Platz gibt es nur Tageslicht, auf welches man keinen Einfluss hat. Besonders wenn es dunkler und bewölkter ist, hat der Ort eine stärkere emotionale Wirkung, was gut zur Traurigkeit der Geschichte passt.

3. Bewertung
3.1 Qualität – Bewertungskriterien

Die Gedenkstätte Berliner Mauer wird dauerhaft besucht werden und immer weiter erhalten bleiben. Es ist ein wichtiger Beweis der deutschen Geschichte und der Opfer aus der DDR Zeit. Der Ort ist auf jeden Fall sehenswert und auch bewegend. Es ist sehr ruhig dort und man kann sich in Ruhe mit der Geschichte beschäftigen. Der Bau ist logisch nachvollziehen.

3.2 Fragen

Was ist der Anlass der Ausstellung?

Die Ausstellung wurde eröffnet um an die Opfer der Berliner Mauer zu erinnern. Dazu wurden auch Fotos von einigen Opfern aufgehängt. Ihre Verwandten besuchen sie noch heute und legen auch Blumen dorthin. Für sie hat dieser Ort eine noch größere Bedeutung.

Wie ist die Interaktion zwischen den einzelnen Teilen und der Gesamtheit? 

Formal: Die gesamte Ausstellung wird durch die rostigen Eisenstangen als eine einheitliche Entwurfssprache vereinigt.

Inhaltlich: Man kann sagen, dass alle Elemente die gleiche Geschichte, nämlich die Geschichte der Berliner Mauer, erzählen.

Was für eine Atmosphäre entsteht?

Es entsteht eine sehr bedrückende, traurige aber auch ruhige Atmosphäre.

Text Boya Wang
Bildnachweis Boya Wang

Tchoban Foundation, Michaela Schöpke

Exkursion

Meisterzeichnungen der Architektur aus der Albertina, Tchoban Foundation – Museum für Architekturzeichnung

1. General Information 
Overview 

title Architectural Master Drawings from the Albertina.

location Tchoban Foundation, Museum for Architectural Drawing Christinenstraße 18A, 10119 Berlin.

time period 12.3. – 10.7.2016

subject Architectonic hand drawings from both the Architecture and the Graphic Collections of the Albertina museum in Vienna.

objective/ focus  Give an insight into a collection of hand drawn architecture of renowned artists and present both the historical development of the Albertina’s Architecture Collection.

objects Sketchs, drafts, drawings,vedute.

target audience Architects, designers, artists , or basically anyone interested.

Imprint

curators Director of the Albertina’s Architectural Collection, Dr. Christian Benedik.

2. Analysis
2.1 Classification 

carriers Tchoban Foundation . Private Museum for Architectural Drawing

categories Historical, art exhibition

exhibition space Interior

time period  Temporary exhibition

budget L

2.2 Presentation

museal Available original objects of a collection.

current Reference to contemporary thinking.

didactic Originals with the aim to explain a story/context.

contemplative Offerings and spaces for tranquil inspection and calmness.

Tchoban Foundation, Michaela Schöpke

2.3 Artistic medium (Gestalterische Mittel) 

object Presentation in different picture frames, mostly i gray-black tones, prior-decided from Albertina Museum with a special security system attached to their back.

staging Equally transmitted light, Color of the walls painted in order to fit the concept and to showcase the paintings, color of exhibit labels same as the wall.

thematic structure Chronological, selection of masterwork categorized according the artists, offering diverse examples in the field in terms of technique, geometry, art, history and theory.

visitor management Round tour, guided tour if requested.

accessibility Fully accessible, elevator connecting all the levels of the building.

communication concept Texts, language: english-german. Typography follows the corporate identity of Tchoban Foundation, legends and exhibit.

color concept Light grey, wooden parquet floors.

material concept Concrete, wood.

lighting concept Linear led lighting offers a harmonious lighting and doesn‘t affect the structure of the paper , indirect lighting, dimmed for conservation reasons and to reduce glare. Linear led lighting is one of the buildings concepts.

2.4 Technical details

painter For the walls.

exhibition construction Repaint the walls. System for the exhibit fixation.

exhibit fixation Exhibits hanged by hooks on the back of their frame attach to „L“ hooks on the museum wall. At the bottom center of the painting, a metal boiler plate screws into both the frame and the wall. The frames include an individual security system for each painting.

print production Printed exhibit labels, explanatory wall text when entering the room in same font.

conservations aspects No direct lighting, security and preservation system through the frame.

3. Evaluation
3.1 Qualities-evaluation criteria 

durability This exhibition is a temporary exhibition. However the exhibition is optimally designed for its purposes.

appearance,aesthetics,beauty Good overview of the artworks, clean and simple exhibition design with focus on the paintings, drawings, sketches. Color of the walls/labels in harmony with the wooden floors. It fits the minimalistic concept of the whole building.

adequacy of resources The nature of the Tchoban Foundation Museum’s gallery spaces only allow for a select choice of architectural masterworks to be exhibited.

logic of allocation Organisation according the artists and chronologically gives a good overview of the different architectural concepts/idea/techniques developed from the 15th century till the present days.

Tchoban Foundation, Michaela Schöpke

3.2 Questionnaire 

What is the occasion of the exhibition?
The historical development of the Albertina’s Architecture Collection in Vienna. The Albertina is one of the most prominent collections of the world with over one million works covering six centuries of art history, from the late Middle Ages and the Renaissance to the present day.

What are the most important exhibits? 
Paul Eduard Sprenger (1798–1854) Interior perspective of a design for the Military Exercise and Industrial Exhibition Hall in Vienna,1853. Pencil, watercolor. Albertina, Vienna.

Otto Wagner (1841–1918). Front elevation of the main façade of Berlin Dome, 1891. Pen- cil, black ink. Albertina, Vienna.

Zaha Hadid Österreich, Wien, Projekt für Donaukanalbebauung Spittelau, Perspektive, 1994, Gouache auf schwarzem Papier, Albertina, Vienna.

Hans Hollein (1934 – 2014) A Dagger into the Heart of the City, 2003/2005. Marker, pencil,

Are those being presented adequately? 
There is not particular differentiation in the way these exhibits are presented. During the guided tour these 4 among several others were highlighted.
Especially the Interior perspective of a design for the Military Exercise and Industrial Exhibition Hall in Vienna from Paul Eduard Sprenger has been chosen as the main picture for the advertisement mediums (flyers, posters) of the exhibition, putting an extra focus on it.

How is the interaction between individual parts and the entirety? 
They harmonize perfectly due the colors and the materials used.

What role do the objects play? 
Each exhibit is unique. They offer diverse examples in the field of architecture in terms of technique, geometry, art history and theory.

How are meanings being communicated? 
With the exhibit labels and the introductory wall text in the beginning of each room.

Which atmospherical mood emerges? 
Decent, calm, serious.

How does the dramaturgy take place during the exhibition? 
The exhibition has a clear structure and let the visitor experience a story through the history of architectural drawings from known and unknown artists. The visitor through the lighting and the closed spaces stay completely focused.

How are the topics and contents being transported?
The order of the exhibits shows the evolution of use of color and graphic techniques.

What are the key elements/which knowledge can be gained?
An understanding and a historical evaluation of the methods used at that time. The exhibition is really important in terms of theory of architecture or art history. The exhibition is a useful source to visually compare the relationship between architectural hand drawings and architectural theory from the 15th century up to the present time.

Is it worth a second visit? 
Definitely

Text Marianna Karakosta

© Courtesy the artist, Marian Goodman Gallery (New York, Paris, London); Goodman Gallery (Johannesburg, Cape Town) and Lia Rumma Gallery (Naples, Milan)

Exkursion

William Kentridge – No it is!, Martin- Gropius-Bau Berlin

Curator: Prof. Dr. Wulf Herzogenrath.

Carrier: Martin-Gropius-Bau.

Category: Originally a museum for applied arts, it is also a historical monument since 1966, and is a famous exhibition hall in Berlin.The exhibition is a contemporary multidisciplinary art exhibition that is located indoors. It is a temporary exhibition from May 12th to August 21st 2016.

Media: Mixed media including paint, ink, cut out silhouettes, film, music, etc. Includes graphic design, installations, film, sculpture, drawings etc.

“William Kentridge – No it is!”. An artistic, political and contemporary piece of South African culture at the Martin-Gropius-Bau in Berlin, Germany. There were multiple rooms that took you through a series of works created by William Kentridge (2016) who is not only an artist but a filmmaker, a director and storyteller. These exhibitions included: “Reversals of Fortune”, “Contingent Facts”, “IF &”, “SO”, “Particular Collisions” and “NO IT IS! (beyond the museum)”. The focus of this exhibition is to depict his personal aesthetic creations regarding multiple subject matters that are in relation to film, art, politics and culture.
Kentridge’s work often sparks discussions and to find 6 different works by Kentridge all in one exhibition is highly stimulating. The different rooms that hosted Kentridge’s work all had a specific aesthetical style that correlated them even with the various themes that were explored. Kentridge’s use of mixed media is clearly balanced out amongst his various work and it truly emphasizes his artistic practice to not be defined by a particular style. There is a repeated element of black cut out silhouettes and the use of film with simple techniques that adds a playful spark to some of his austere themes.
The exhibition begins with “Seven Fragments”, a series of stop motion film with multiple mixed media regarding the process of how Kentridge works in his studio. He experiments with basic technical possibilities inspired by Georges Méliès. In “Journey to the Moon” and “Day for Night” Kentridge uses the objects in his studio as the narrative of the story he is portraying. Visitors would proceed to the Studio where a glimpse of how Kentridge’s mind works is displayed. A rich collection of sketches, collages, pictures, creations inspired by Goya, Dürer and Hopper are found in this room. His animated films of charcoal and chalk drawing are truly unique and quite mesmerizing as each scene is repeatedly changed and smudged and superimposed through basic film techniques. The combination of different mediums used are quite significant to produce in this context.

The monumental spatial installation with a combination of live actors, and crisp black silhouette cut outs with a band playing in the background truly is a compelling scene to witness. The upbeat, happy tone of the music almost overrides the significance of this installation which highlights the central concept of this exhibition which is uncertainty. There is constant transition and transformation as the projected installation is projected onto surfaces that are textured and placed in slightly different angles next to each other.

© Willam Kentridge; courtesy the artist and Marian Goodman Gallery, New York, Paris & London

The second room which displays Kentridge’s studio once more deals with a lot of tools and kinetic sculptures he has experimented with. Again his works are linked with the constant use of similar media used to create these pieces. “No it is! (beyond the museum)” is the final portion of Kentridge’s exhibition and this is where the 5 channel video installation, “The Refusal of Time” is exhibited with a kinetic sculpture, “The Elephant” placed in the middle of the room. This room immerses visitors into the installation as visitors are surrounded on all sides with Kentridge’s intelligent display of time according to various historical sources. He references Charles Dickens’ metaphor of the beat of industrial machines, and made a connection between African polyrhythms and Einstein’s Theory of Relativity.

This exhibition is definitely worth a visit or two with the subject matter of various political, cultural and contemporary ideas that are hidden in this multidisciplinary exhibition that evokes various questions, emotions and aesthetic considerations at the Martin-Gropius-Bau in Berlin, Germany.

Text Samantha Goh

Book of Burning Matches: Collecting Installation, ME Collectors Room Berlin

“Vom 14. März bis 24. Mai 2015 präsentiert der me Collectors Room Berlin „A Book of Burning Matches: Collecting Installation Art Documents“. Die Ausstellung untersucht die Bedeutung der Dokumentation in der Installationskunst und präsentiert die Sammlung umfassender Dokumente, welche die in London ansässigen KuratorInnen Nicolas de Oliveira (Deutschland/Portugal) und Nicola Oxley (Großbritannien) über drei Jahrzehnte zusammengetragen haben.” (Quelle: https://www.me-berlin.com/collecting-installation-documents-14-03-24-05-2015/)

Probebühne 6, Humboldt Lab Dahlem

Black Mountain. An Interdisciplinary Experiment 1933 – 1957, Hamburger Bahnhof Berlin

Imprint
Curators: Eugen Blume, Gabriele Knapstein
Curatorial assistance and project management: Matilda Felix
Architecture + Exhibition Design: raumlabor_berlin
Carrier: Staatliche Museen

Black Mountain. An Interdisciplinary Experiment 1933 – 1957 presents the first comprehensive exhibition on Black Mountain College to take place in Germany. The show appears as a temporary exhibition at Hamburger Bahnhof, and guides visitors chronologically through the school’s history and creative production.

The exhibition includes authentic art objects produced by Black Mountain students and faculty, as well as original letters, documents, and reading materials from the progressive education movement (John Dewey’s Art as Experience, for example) that lend further insight into the life of the school.

The overall chronological structure of the exhibition breaks down at a finer level into vignettes that highlight particular moments, stories, or individuals: the early episode in which John Andrew Rice writes to Josef Albers in the hopes that he and his wife, Anni, will join the faculty; spaces devoted to work by Buckminster Fuller, Robert Rauschenberg, or John Cage’s experimental music. The arrangement of these vignettes serves a helpful, didactic function by allowing a visitor’s knowledge of Black Mountain College to build up in graspable pieces.

Stylistically, the most prominent aspect of the exhibition is its use of plywood throughout the display structures. This is a visually striking choice of material—particularly in the context of a refined, white-walled museum—and lends the show a low-cost, ‘DIY’ aesthetic that is elegantly plain. This is a thoughtful creative decision for raumlabor_berlin to have made, as it echoes the way in which dwellings at Black Mountain College were constructed informally by students and faculty themselves.

Perhaps the central curatorial challenge of the show consists in balancing between showcasing artwork and providing historical context. While Black Mountain College produced a wealth of artistic achievement, showcasing this alone would be insufficient for providing a historical account of the school as a place of learning and a community with particular values and ideas. On the other hand, recounting the history of the school without emphasizing the artistic production it encouraged would be equally insufficient, for this would neglect and understate the work for which the college is remembered. Curators Eugene Blume and Gabriele Knapstein succeed in striking a balance between these two approaches, creating an exhibition in which visitors are led between spaces that alternate between emphasizing artwork over historical context and vice versa. The artworks are displayed simply, elegantly, and spaciously, while the historical documents and books are displayed more densely in groupings inside glass and plywood display cases. This back-and-forth has the added benefit of allowing visitors to focus primarily on the artwork or the history if they so choose. A number of large, vinyl, paragraph-length texts appear on walls throughout (in both Deutsch and English), weaving together the whole.

The exhibition is very much worth visiting purely for its art. Even more so, the books, letters, and other original documents it contains provide a particularly special chance to appreciate Black Mountain College for the day-to-day character it cultivated as a community and place of learning.

Text Tucker McLachlan

PANDA, Naturkundemuseum Berlin

Ever since the first arrival of a female Panda in Berlin approximately 20 year, ago named “Yan Yan” at the Berlin Zoo, residents of Berlin were enthusiastic and welcoming of this animal in their city. For one of the first times in history, Berlin was soon to have a population of Panda cubs with Yan Yan being female and able to reproduce. However before that could occur, Yan Yan had passed on and wasn’t able to fulfill the legacy that the city has initially hoped for. “But what do we really know about this blackandwhite bear that seems to be constantly munching away on bamboo and becoming ever more popular in the process? “ This is the objective question that has risen from the curators working within the exhibition, ‘Panda’ at the Museum für Naturkunde in Berlin, Germany. The Museum für Naturkunde is one of the largest natural history museums in Germany. Having the exhibition of the ‘Panda’, not only piques interest for others who come from all over the world to view the skeletons of creatures who have lived many years ago, but it points the questions and has an informative approach of the Panda itself and the threats that this animal is faced with in present day.

The exhibition is organized by the different roles the Panda plays in the world today.From the cultural icon that is represents and its place in history, to its habitat what it eats, where they live, the anatomy, ways that organization such as WWF, Wildlife Research, Zoo Berlin has researched its protection, their offspring and their way of reproduction, and ultimately the final conundrum: its threat for extinction today. With Yan Yan actually being in the beginning of the exhibition, it allows you to move through the space smoothly with digesting each bit of information and the Panda’s relevance. From having the actual taxidermy panda babies, to the food that they eat, bamboo in the space, it allows the viewer to see the objects in real life, (as close as one can behind a piece of glass), and to see the scale and the color, texture, of the objects themselves. I think this is useful for the audience because it gives them a point of reference to have a visual instead of reading wall texts.

The exhibit, ‘Panda’, is most definitely worth a second visit. Although the exhibition is well laid out and gives you just enough information the first time so you aren’t overloaded, it’s crucial to raise awareness to not only you as an individual but to others as well. By showing colleagues, family members, children this exhibition is can provide a level of knowledge that perhaps allows others to be able to actively take control of the situation and provide solutions in years to come.

Text Monica Terrero

COLAB, Buchstaben Museum Berlin

The Buchenstaben museum (Museum of Letters) opened in 2005 to exhibit its passion for typography. Located on Holzmarktstrasse in central Berlin, this museum surreptitiously forces the viewer to enter with no preconceived notion of what the museum is likely to display.

The contemporary privately owned museum is known for its work in preserving, restoring, and exhibiting signage from around Berlin from the earliest artifacts dating back to early 1940’s. It celebrates the unique typographic qualities of the signs displayed and also focuses on the industrial process of manufacturing the signs. The museum houses a plethora of signs in custom fonts in all forms and sizes that were rescued from public spaces after they were of no use. It comments on the change brought about as a result of globalization when companies run by traditional sign makers for generations were closed as a result of standardization of signs in public spaces. Their dedicated craft has been preserved in the museum and is celebrated for its unique characteristics.

The museum, by displaying typography in 3 dimensional forms, lends a fresh perspective typography before its digitization and its use and impact on advertising, language, communication and contemporary and urban history. Its informal and interactive atmosphere allows its audience to personalize each experience. The museum looks to interest everyone of all ages and has no particular target audience. The signs are all presented out of content and context thus, can be truly appreciated for the craft of lettering. The curation of the artifacts displayed is solely based on the uniqueness of the signs and its unmodified state. Upon reading the description and history of the sign, the viewer gets to appreciate the sign for not just its craft but also it’s historical and geographical context.

Unlike other museums, the Buchenstaben museum does not delve into the history of typography but instead displays its wide variety of signs that used to exist in various part of Berlin. It delves into each artifact’s history, which purely because of its existence in the city is tangled with the history of Berlin. It exposes its audience to phases in Berlin’s history in an urban context and its forward contemporary design thinking in a time when it was not so common.

The experience in the Buchenstaben museum gave me a new perspective on interactions with artifacts in museums. The Buchenstaben museum felt more like a gallery to me, with personal experiences and playful interactions with the artifacts and the space they were allocated. To me, the interaction went further than just with the artifact, I connected to the urban history as the artifact aimed to explain a story and age with context to the signs. Upon returning from the museum, I also brought with me knowledge about some of the typefaces used such as U8 in common places I transit through everyday like Alexanderplatz.

My personal favorite was the warehouse in the back of the museum where signs, old and new, lay in abundance, varying shapes, sizes and origins. Some taller than me, lay isolated as an object by itself from the rest of the alphabets that would lend knowledge to the original word or name. While some others, in their full form, presented their history and use with the sign itself. The space offered the viewer to interact with three-dimensional signs by using the space it occupied as a result of its informal presentation. The lighting here in the warehouse was dimmed and more universal to all the signs it held as opposed to the front of the museum where the signs were formally displayed, some with switches to turn on neo signs or flashing lights. The thematic presentation of the signs felt accessible and the display of the various materials used for signs was highly informative.

The enriching experience allowed me to peek into a time in Berlin, that compared to the rest of the world was viewed as progressive for its innovation through creation. It gave me a fresh understanding of letters as a form of visual art, independent from its key role in communication. Although the gift shop was geared towards sales for tourists, I believe that only through the keen interest of typographers and signmakers can a museum like the Buchenstaben be sustained and used as a platform and resource for people globally with similar interests. I also do reckon that major cities in the world would benefit from museum such as the Buchenstaben to inform and depict contemporary histories of cities from the perspective of typography.

Bildnachweis
Text Roshni Kochhar

Sammelwut und Bilderflut – Werbegeschichte im Kleinformat, Jüdisches Museum Berlin

Schwindel der Wirklichkeit, Akademie der Künste

1. Allgemeine Informationen

Titel: Schwindel der Wirklichkeit
Web: http://www.davidchipperfieldinberlin.de/
Ort: Akademie der Künste Hanseatenweg 10, 10557 Berlin
Zeitraum: 17.09. – 14.12.2014
Thema: Konstruktion und Dekonstruktion von Wirklichkeit im ‚Digitalen Zeitalter‘
Ziel: Neue Medien sind Gegenstand der Untersuchung in der Ausstellung um kritisch eine Neupositionierung des Betrachters zwischen Kunstwerk und Wirklichkeit zu beleuchten.
Objekte: 41 Objekte / Künstler
Zielgruppe: Digital-Affines Publikum, jedes Alter
Direktoren / Kuratoren: Mark Buttler, Anke Hervol, Wulf Herzogenrath, Niels van Tomme
Architektur: westliche Nachkriegsmoderne, eröffnet 1960, Werner Düttmann, Sabine Schumann
Ausstellungsgestaltung, Realisation: Simone Schmaus, Jörg Scheil, Mount Berlin
Ausstellungsgrafik: Heimann und Schwantes

2. Analyse

2.1 Klassifikation
Träger Hauptstadtkulturfonds, Karin, Uwe Hollweg Stiftung, Yamaha Music Europe GmbH, Gesellschaft der Freunde der Akademie der Künste, Kunststifung NRW
Kategorie thematische Kunstausstellung
Ausstellungsraum innen, fest installiert
Zeitraum temporär

2.2 Präsentation
Präsentationsräume keine baulichen Veränderungen, temporäre Stellwände
Ausstellungsobjekte Originale
Didaktik keine Leitsystem durch das Hauptthema, Konglomerat aus Arbeiten und weiteren Angeboten
Interaktion Selbstinitiative des Besuchers ist grundlegend, Ausstellung erschließt sich dadurch
Szenisch Fokus auf ausgestellte Objekte, keine eigene Inszenierung der Ausstellungsräume

2.3 Gestalterische Mittel
Objektpräsentation hauptsächlich in der Vertikalen, geweißte Wände
Raumstrukturierung Stellwände strukturieren didaktisch Laufwege; teils offene Flächen, Boxen in denen ausgestellt wird und engere Laufwege die gangartig an Objekten heranführen.
Besuchermanagement Am Eingang bietet sich ein längerer Einleitungstext an um Zugang zum Thema zu bekommen. Innerhalb der Ausstellung präsentieren sich Arbeiten selbst. Ein offener Raum in dem der Besucher seiner intuitiven Aufmerksamkeit folgen kann eröffnet sich.

2.4 Vermittlungskonzept
Dem Besucher werden verschiedene Zugänge zum Thema zur Verfügung gestellt.
Neben der Hauptausstellung gibt es Talks, Schauspiel, Tanz und Konzerte die weitere Facetten des Themas aufarbeiten. Das Thema Schwindel der Wirklichkeit erschließt sich durch die stark zum Partizipieren einladenden Arbeiten vor allem beim Besucher selbst. Im Moment der Reflexion kann die Kernfrage nach der Verortung und Topografie von Wirklichkeit subjektiv aufgeklärt werden.
Um den Besucher auf diesen Moment hinzuführen wird eine Publikation mit vielen Statements, Interviews und Besprechungen angeboten. Hinweisschilder geben in den Ausstellungsräumen nur klassisch dezent Eckdaten der Arbeiten wieder.
Themenstruktur Gruppenbildung nach Objektinhalten (Zeit/Raum, Militär, Medien, Gamification, Täuschung, Experiment, Retrospektive)
Farbkonzept zu leicht grau-gelb getöntes Weiß an Wänden / Decke, Holzboden (Parkett); Editorial im schlichten schwarz/weiß, zusätzlich fast RGB-Gelb (r248, g249, b000) mit laboratorischem Charackter
Lichtkonzept Laufwege sind dezent beleuchtet, wodurch sich Gassen bilden und die stärker beleuchteten Arbeiten mehr zur Geltung kommen. Neutralweißes Halogenlicht auf den Laufwegen mit geringer Beleuchtungsstärke, hohe Beleuchtungsstärke auf Objekte bei gleicher Farbtemperatur.

3. Bewertung

3.1 Gesamtbeschaffenheit
Dauerhaftigkeit temporäre Stellwände aus Leistenholz, vertäfelt mit geweißten MDF Platten
Nutzen adequate Nutzung der Stellwände zu als nicht temporär wahrgenommenen Räumen
Erscheinung schlicht, minimal, budgetorientiert
Anziehungskraft Inszenierung stellt eine sich sehr zurücknehmende Präsentationsfläche dar, klassisch schlicht gehalten, wenig aussagend und präsent
Ressourcengebrauch wenige Elemente (Licht, Stellwände / temporäre Räume, Bildunterschriften)

3.2 Fragen
Anlass? Colleteral Murder, Geheimdienstaffären, Internetgestützer Journalismus, mediengefluteter Alltag
Schlüsselobjekte? ‚Visibility Machines‘ (Fotografien von US-Militärbasen aus großer Distanz verschwimmen zu ästhetischen Farbfeldern), ‚Ernste Spiele 3‘ (Gamerecording der vom US-Militär zu trainingszwecken gebrauchten Militärsimulation ‚Americas Army 3‘ ) , ‚Newstweek‘ (Umleitung der Internetverbindung um nur noch gefakte Informationsportale anwählbar zu machen).
Sind diese angemessen präsentiert? Nein, sind recht unauffällig integriert.
Interagieren Ausstellungsstücke miteinander? Nicht direkt. Zusammenhänge der Hauptobjekte erschließen sich selbst aus dem Gesamtkontext.
Welche Rolle spielen Ausstellungsobjekte? Da sie sich unverdächtig in das Gesamtbild eingliedern beanspruchen sie wenig Geltung als Schlüsselobjekte die zum Thema hinführend sind.
Atmosphäre? Nüchterne Ausstellungshalle, reduziert, konzentriert auf Exponate.
Wie werden Themen kommuniziert? In der Ausstellung nur sehr spärlich, doch gibt es eine Ausstellungszeitung die Informiert.

Résumé

Schwindel der Wirklichkeit war ein dringend zu bearbeitendes Thema – ein Jahr nach den ersten Enthüllungen über die Praxis der Geheimdienste in einer digitalen Welt. Ein erster groß angelegter, ernster Versuch Medienkompetenz an ein breites Publikum zu vermitteln. Dies ist auch Ansatzweise gelungen, doch ist im Rückblick zu bemängeln, dass um die Wahrnehmung einer gesellschaftlichen Verantwortung konsequent zu verfolgen, ein deutlicheres Hinweisen auf Sachverhalte ausblieb. Zwar konnte durch die Auswahl digitaler Ausstellungsobjekte praktisch vermittelt werden wie leicht es ist mit Digitalem Wirklichkeit zu verfälschen . Doch hätte die Ausstellung mit Information über die gezeigten Erscheinungen der digitalen Wirklichkeit wesentlich an Substanz gewonnen. Denn gerade in der Ausstellung wurde Wirklichkeit als eine stark subjektive Ambivalenz dargestellt, die sich in der unsrigen, so manipulationsanfälligen, digitalen Informationsgesellschaft noch weiter akkumuliert. In der Ausstellung, ein Raum der Überlegung, hätte es mehr Orientierungsmöglichkeiten zum weiteren Fortdenken gebraucht. Denn vieles, was in einer digitalen Form ist, hat das Problem der Austauschbarkeit, Veränderbarkeit, Vergänglichkeit, Beliebigkeit. Daraus ensteht ein Aufmerksamkeitsverlust um sich intensiv mit einem Exponat auseinander zu setzten. Das war hier das Ziel. Bei den sehr wenigen analogen Ausstellungsstücken entwickelte sich die Informationsarmut jedoch nicht zu einem Vermittlungsproblem. Wohlmöglich weil diese nicht ihrem Habitus entrissen wurden. Wogegen die digitalen Arbeiten einen ihnen entsprechenden, digital anmutenden Ausstellungsraum gebraucht hätten. Mehr Mut zum Bruch mit dem konventionellem Inszenieren künstlerischer Arbeiten hätte das Erleben der Ausstellung wesentlich greifbarer für die wichtigste Zielgruppe, den Digital Natives gemacht. Schade bei einem solch wichtigen Thema – ein transparent, demokratisches Bewusstsein der Gesellschaft zu bilden. Das sich inzwischen durch das Metamedium Digitalität gebildet und seinem Medium bewusst sein muss um handlungsfähig zu sein.

Bildnachweis: Akademie der Künste, „Schwindel der Wirklichkeit“, 2014, © Roman März.
Text Sören Aurich